Edito.

La crise économique en signalant tous les excès a rendu particulièrement visible le gigantesque affairement qui s’est constitué autour de l’art depuis de nombreuses années. La marchandisation à grande échelle accompagnée d’une médiatisation excessive de quelques artistes est apparue comme une simple « bulle » spéculative qui s’est dégonflée.

L’une des conséquences fut l’aggravation de la méfiance envers l’art contemporain. Pour beaucoup, il s’agit d’une fumisterie qui n’a d’autre objectif que le gain et la spéculation et c’est malheureux pour plusieurs raisons. Tout d’abord parce que la très grande majorité des œuvres d’art contemporain sont vendues à moins de 5000 dollars. On est donc loin de la spéculation. Et puis -et surtout- il est anormal que l’art, censé être un lubrifiant social soit à ce point ignoré, méprisé ou incompris à quelques exceptions près.

Il est donc nécessaire de modifier notre rapport à l’art. Malraux le disait, il faudra choisir entre l’art pour tous et l’art pour chacun. C’est certainement un peu des deux, mais quoi qu’il en soit, il n’est plus concevable que l’accès à l’art se fasse par une sorte d’onction descendue du ciel vers les individus. Il ne suffit plus qu’une seule personne — aussi légitime soit-elle – affirme que ceci est de l’art pour que cela soit indiscutable. Aujourd’hui, chacun veut savoir, comprendre, et surtout connaître les raisons de ce qu’il ressent.

La complexité de la production artistique d’aujourd’hui qui va du dessin au bio-art et le nombre considérable d’artistes qui utilisent les outils de communication performants (web et réseaux sociaux), rendent plus que jamais nécessaires des médiateurs.

Les institutions agissent comme des accélérateurs ou des laboratoires. Elles consacrent une œuvre, ou lui permettent l’expérimentation. Les galeries, elles, sont en premières lignes.

Aujourd’hui, l’artiste ne peut exister seul. Les contraintes économiques fortes, la globalisation de l’art ou la disparition des références dans le cadre de la création contemporaine rendent obligatoire la présence d’un interprète auprès de l’œuvre et de l’artiste. Le duo artiste/galeriste est donc aujourd’hui le plus pertinent. Le galeriste décharge l’artiste d’une partie de l’incertitude liée à la création. Il met en place les moyens pour que l’on accède à l’œuvre le plus efficacement possible : présentation, publication, explication. Il donne une chance à l’œuvre pour se développer et exister ailleurs que dans l’atelier. Pour cela, il est en prise directe avec la société pour identifier ses attentes vis-à-vis de l’art. Enfin, dans le meilleur des cas, le galeriste agit en amont de l’acte créateur en donnant à l’artiste l’espace, matériel ou psychologique nécessaire à son activité.

Il ne faut pas oublier que l’art est un objet de consommation nécessaire à la vie en société. Si l’art est indigeste, c’est la société qui tombe malade.