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Quatre performances qui explorent la construction de l'identité et incarnent chacune la perte, la relation, la révélation et la transformation à travers des performances et une projection dans la vitrine de La Centrale.
Dans un espace imaginé, une série d’identités consciemment construites apparaissent pour incarner la trace engagée d’un amour perdu, des mots oubliés, des objets égarés ou volés. Bien que perdus, la mémoire et le corps conservent cette trace. Dans ce no man’s land quatre femmes tracent leur chemin sur un territoire entre des mondes multiples et définis.
Commissaire Victoria Stanton
Victoria Stanton
(Montréal) est artiste de performance, vidéaste et auteure. Investissant une présence performative dans plusieurs espaces/temps, ses œuvres explorent la capacité (et le désir) d’avoir un espace, de s’approprier et de perturber le quotidien, de fréquenter le risque et la vulnérabilité. En tant qu’artiste programmant des œuvres basées sur le temps, Victoria s’intéresse aux pratiques qui incarnent une certaine forme de défi personnel en tant que révélation de transformation. Elle a présenté des performances, des interventions, des expositions et des vidéos au Canada, aux États-Unis, en Europe, au Royaume-Uni, en Australie et au Japon.
www.bankofvictoria.com
Three Minute Miracle: Tracking the Wolf
Amalie Atkins
Dans un contexte de monde fictif, les œuvres d’Amalie explorent la perte, l’isolement, la transformation et le rituel pour créer une mythologie à la fois étrange et spectaculaire. Au cours des dernières années, cette artiste a travaillé dans le domaine du film, de la performance, des fibres et de la photographie. Ces médiums se faisant écho les uns aux autres contribuent à la création de ces environnements fantastiques. Fusionnant ces entités distinctes, Imagined Spaces, Lost Objects marque la première apparition de son œuvre cinématographique dans un contexte de performance. Initialement créé sous forme de film 16mm pour cet événement, Three Minute Miracle sera présenté en tant que performance en direct et incorporera une
composante audio et d’autres éléments performatifs qui lient les principaux événements et objets dans le film.
Amalie Atkins
(Saskatoon) est une artiste multidisciplinaire. Ses oeuvres prennent diverses formes, allant de la production cinématographique jusqu’à la sculpture en tissu en passant par la performance. Son travail est inspiré des tâches répétitives associées au textile, notamment la coupe et la couture, activités pendant lesquelles les idées subconscientes de l'artiste se transforment en histoires et évoluent éventuellement en scénarios. Amalie Atkins a étudié au Alberta College of Art and Design. Elle vit et travaille actuellement à Saskatoon. Ses œuvres ont été présentées à travers le Canada et aux États-Unis. En 2009, elle a entamé sa carrière à New York et à Berlin.
www.skewgallery.com/atkins.htm
Antidote
Julianna Barabas
Série d’actions performatives conçues afin de faire éclater les normes sociales autour du toucher, des gestes d’attention, de la vulnérabilité et de l’intimité publique. En lavant puis massant les mains des participants, Julianna leur offre la possibilité d’utiliser le temps passé dans la performance pour, métaphoriquement, nettoyer et atténuer les tensions qu’ils peuvent avoir avec leurs identités. Tout au long du massage des mains, elle chante pour la personne qui reçoit le soin, intensifiant ainsi l’intimité de geste et l’interaction performeur/spectateur.
Julianna Barabas
(Calgary) pratique la vidéo et la performance. Elle vit et travaille dans l’Ouest canadien. Intéressée par les théories féministes et leurs questionnements, son travail explore l’expérience humaine du genre, de l’identité et de la spiritualité. Le thème central de son travail concerne la dynamique de l’échange entre l’artiste et le public lors de sa performance, de même que les politiques de l’attention impliquée lors du processus. Ses œuvres récentes incluent : Gorilla Jane, une visite guidée féministe de l’exposition PAINT à la Vancouver Art Gallery (2006) ; Antidote, un rituel de « lavage de main » présenté pour la première fois à Latitude 53 Visual Contemporary Culture (Alberta),
dans le cadre du projet Visualeyez, puis de nouveau au Bathhouse dans le contexte du Festival Exposure (2008). Enfin, Reframed Refrain est à la fois une interaction live nue et une extension de l’exposition Leaving Olympia détaillant l’utilisation de la nudité en art contemporain présentée à la Alberta Art Gallery. Les œuvres vidéos de Julianna Barabas ont été présentées au Victoria International Film Festival de même qu’au Out on Screen Queer Film and Video Festival à Vancouver. Son projet artistique en cours le plus ambitieux est une performance intitulée seamline. Il a débuté en mai 2003 alors que le public était convié à regarder l’artiste se faire tatouer une ligne sur la circonférence latérale de son
corps. Ces événements publics se sont poursuivis une fois par mois pendant une année complète, progressant en un véritable rituel contemporain. Depuis la fin du projet, Barabas a conservé minutieusement les conversations engendrées par son geste dans le quotidien définissant l’expérience comme la performance d’une vie. Elle a répertorié ces interactions dans un catalogue qui sera publié en 2011. Barabas a complété un baccalauréat en Sciences politiques à l’Université de Western Ontario en 1991, suivi d’une formation de 1er cycle en arts médiatiques à l’Institut d’Emily Carr en 2006. http://seamline.blogspot.com/
Eat Your Enemy #3
I am the Coca-Cola of art
Janine Eisenäecher
Dans sa performance solo Eat Your Enemy, Janine Eisenächer fait référence au concept culturel brésilien l’Antropofagia (cannibalisme). S’intéressant aux procédés de transformation dans la performance, l’artiste discute des questions relatives à l’identité et aux genres à l’intérieur du discours postcolonial de l’Autre et à travers les structures économiques du domaine artistique lui-même. Sous la forme d’un rituel et à l’aide de textes, d’objets et de sons, Eisenächer explore chaque fois un nouveau voyage imaginaire qui l’amène à surpasser toute forme de dépendance afin de suivre ses propres désirs. Le point de départ de Eat Your Enemy #3 est une citation de la légendaire artiste
de performance Marina Abramovic, relevée dans le magazine d’art allemand Monopol : « Je suis le Coca-Cola de l’art». Pour Eisenäecher dont le travail de recherche investigue le Coca-Cola comme matériel dans ses œuvres depuis 2007, cette affirmation est la base parfaite pour une nouvelle enquête anthropophage… Cette fois, Eisenäecher intègre Abramovic et se transforme elle-même en Coca-Cola de l’art. Les traces de la performance en direct demeurent dans la galerie sous forme d’installation.
Janine Eisenäecher
(Berlin) travaille dans plusieurs sphères. Elle réalise notamment des séries de performances sur divers sujets liés au corps, aux objets, au texte, au son et à la vidéo. L’artiste développe des concepts en solo, en duo ou pour des groupes. Ses interventions prennent généralement place dans l’espace public. Eisenäecher est membre fondatrice de (e)at_work, une plateforme de production artistique et scientifique située à Berlin qui explore diverses méthodes d’entrevues en lien avec l’objet et l’activité dans le but d’interagir avec les individus dans un contexte artistique à l’intérieur d’espaces publics. Elle est également membre fondatrice du réseau de performance Emmanuelle connu sous le nom de n@work à
Berlin. Eisenaecher a agit à titre de commissaire pour Performer Stammitisch, un réseau d’artistes professionnels de performance professionnels, de même que pour des événements artistiques mensuels regroupant la performance et les arts vivants. Elle a étudié le théâtre, la littérature comparative et la philosophie à la Freie Universität de Berlin.
Madame Blanche
Laura Margita
À la base, Madame Blanche était une performance sérieuse et sincère organisée de façon professionnelle : invitations officielles, équipe compétente, lieu de diffusion de qualité et public éduqué. Les spectateurs/participants étaient à la fois horrifiés, amusés et inquiets pour l’artiste. La documentation visuelle de ces événements est l’une des démonstrations des plus embarrassante et pénible de perte de contrôle jamais immortalisée en vidéo. Jusqu’à ce jour, Margita laisse toujours planer le doute quant à la véritable issue de cette archive, oscillant entre sa perte ou sa destruction volontaire. Malgré tout, l’artiste s’arme de courage, remonte cette performance pour le
public d’Edgy Women et tente d’en tirer de précieuses leçons nécessaires quant à sa quête de :
1- sens
2- conscience de soi
3- pardon
4- amour
5- pouvoir
6- expression artistique d’une communauté qui est :
a- magnifique
b- riche
c- effrayante
d- triste
e- drôle
Laura Margita
(Saskatoon) a débuté sa carrière artistique après avoir complété ses études à l’Université d’Ottawa en 1991 pour ensuite entamer sa pratique en studio dans ses projets visuels incorporant les nouveaux médias. Elle a également oeuvré comme technicienne en sculpture, chargée de cours et responsable du bâtiment au département des Arts visuels de l’Université d’Ottawa. Laura a fondé The Enriched Bread Artists Coop, puis a enseigné les arts visuels au programme Light House pour la commission scolaire d’Ottawa. Elle a agit à titre de commissaire pour la Creative Outlet/Gallery CO, a travaillé à l’administration de la Galerie SAW pendant plus de 7 ans et a enseigné comme professeure et coordonnatrice
à l’École des Arts d’Ottawa. Elle travaille actuellement à la direction de PAVED Arts à Saskatoon. La pratique artistique de Laura intègre des objets à la fois lourds et légers, de la peinture, des médias et de la performance. C’est une activiste qui lutte pour la justice sociale, la nudité et la culture pour tous sur un ton critique. Ses performances incluent Double Date, The Longest Noodle in the World, Tossed Salad and Madame Blanche.
Présentations d'artistes en collaboration avec le Studio Arts Visiting Artists Program (SAVAP) - Concordia, ARTX, Fibres, et la Maîtrise en Studio Art.
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Four performances by artists who, working through self-consciously constructed identities, embody loss, connection, revelation and transformation – while charting distinct paths between multiple defined worlds.
In an imagined space, a series of self-consciously constructed identities come to embody an invested trace - of lost love, lost words, of lost or stolen objects. Lost and yet, the trace of what remains sticks in the memory, and to the body. And in this "no-man’s land" we find four women - charting four distinct paths on land in-between multiple defined worlds.
Curator Victoria Stanton
Victoria Stanton (Montreal) is a performance artist, video-maker, and published author. Investing a performative presence within multiple spaces/times, her work investigates the ability (and the desire) to hold a space, to appropriate and disrupt the quotidian, to court risk & vulnerability. As an artist curating time-based work she is drawn to practices that embody some form of personal challenge as transformative revelation. She has presented performances, interventions, exhibitions, and videos in Canada, the U.S., Europe, the U.K., Australia and Japan. www.bankofvictoria.com
Three Minute Miracle: Tracking the Wolf
Amalie Atkins
Within the context of a fictional world, Amalie’s work investigates aspects of loss, isolation, Transformation, and ritual to create a mythology both awkward and spectacular. Over the past few years she has been working in film, performance, fibres and photography, using these mediums in ways that at once inform one another and contribute to the creation of these fantastical environments. Fusing these separate entities together, Imagined Spaces, Lost Objects marks the first appearance of her cinematic work in the context of performance. Initially made as a 16mm film, for this event, Three Minute Miracle will be presented as a live performance, incorporating a live audio component and additional performative elements that tie into key events and objects in the film.
Amalie Atkins
(Saskatoon, SK) is a multidisciplinary artist whose work hop-scotches from filmmaking to fabric-based sculpture to performance. Her work is inspired by the repetitive tasks related to her textiles work, such as cutting and stitching, during which subconscious ideas emerge into stories and eventually story lines. Having studied at the Alberta College of Art and Design, Atkins currently lives and works in Saskatoon. Her work has been exhibited across Canada, the US, and in 2009 debuted in New York City and Berlin, Germany. Series of performance actions designed to break down social norms around touch, gestures of care, vulnerability and public intimacy. Using hand washing and then massage of the hands of the audience participants, Julianna offers them an opportunity to use the time spent engaged in the performance to metaphorically cleanse or alleviate tensions they may have in
relation to their identities. Throughout the massaging of the hands, she also sings to the person receiving the massage, further heightening the intimacy of the gesture and interaction between us.
www.skewgallery.com/atkins.htm
Antidote
Julianna Barabas
Series of performance actions designed to break down social norms around touch, gestures of care, vulnerability and public intimacy. Using hand washing and then massage of the hands of the audience participants, Julianna offers them an opportunity to use the time spent engaged in the performance to metaphorically cleanse or alleviate tensions they may have in relation to their identities. Throughout the massaging of the hands, she also sings to the person receiving the massage, further heightening the intimacy of the gesture and interaction between us.
Julianna Barabas
(Calgary, AB) is a performance and video artist based in western Canada. Her work explores embodied experiences of gender, identity and spirituality, as informed by feminist concerns and theory. A central theme in her work is the dynamic of exchange between performer and audience and the politics of care and attention it implies. Recent works include: Gorilla Jane, a feminist tour of the exhibition PAINT at the Vancouver Art Gallery (2006), Antidote, a ritual hand washing first shown at Latitude 53 Visual Contemporary Culture as part of Visualeyez, then again at the ‘Bathhouse’ as part of Exposure Festival (2008), and Reframed Refrain, a live nude interaction and extension of the Alberta Art Gallery’s Leaving Olympia exhibition detailing the use of the nude in contemporary art. Her video works have been shown at the Victoria International Film Festival and Out on
Screen Queer Film and Video Festival in Vancouver. Her most extensive project is an ongoing performance called ‘seamline’. Beginning in May of 2003, she invited audiences to witness her process of having a line tattooed around the full lateral circumference of her body. These public events continued once a month for a year, evolving into a truly contemporary ritual. Since the physical completion of the work, Barabas has positioned the ongoing conversations that result from living with a full body tattoo as a life time performance, cataloguing the interactions which will be released in an exhibition catalogue/artist’s book in 2010. Barabas received a Bachelor of Political Science from the University of Western Ontario in 1991 and Bachelor of Media Arts from Emily Carr Institute in 2006.
http://seamline.blogspot.com
Eat Your Enemy #3
I am the Coca-Cola of art
Janine Eisenäecher
In her solo performance-series Eat Your Enemy, Janine Eisenaecher basically works with the Brazilian cultural concept of Antropofagia (cannibalism) and by that explores its potential of being an alternative subversive strategy. Focusing on processes of incorporation and transformation, the performance artist discusses matters of identity in relation to work and gender-specific questions, the (post)colonial discourse of “the other”, and the economic structures in the field of artistic work itself. By using text, objects, body and sound in a ritualistic structure, Eisenaecher each time undertakes a new self-experiment of an imaginary voyage to overcome felt dependencies and to follow her own desires. The starting point for Eat Your Enemy #3 is a quote by the female performance art-legend Marina Abramovic, mentioned in the German art magazine monopol: “I am the Coca-Cola
of art.” For Eisenaecher researches on and works with Coca-Cola as material in her performance work since 2007, this claim is the perfect basis for a new anthropophagic investigation… this time Eisenaecher incorporates Abramovic and transforms into the Coca-Cola of Art herself. The traces of the live performance remain in the gallery space as ongoing installation.
Janine Eisenäecher
(Berlin, Germany) works in various constellations as performance artist, mostly on serial performance art projects on certain topics using body, objects, text, sound and video. She develops concepts for group/duo/solo performances and site-specific interventions in public space. Eisenäecher is a founding member of (e)at_work, a Berlin-based artistic and scientific production platform that explores object and activity related interview methods for the interaction with audiences in public space and within the art context. She is also a founding member of the performance network Emanuelle, founded as Berlin n@work. Eisenäecher’s artistic practice includes curatorial and organizational work for Performer Stammtisch, the network for professional performance artists and monthly performance art and live art event in Berlin. Herein, she investigates different forms of writing
and talking about performance art. She studied theatre, comparative literature and philosophy at Freie Universität Berlin.
Madame Blanche
Laura Margita
Madame Blanche Hears Your Confessions was a serious, heartfelt performance with all the things that make a performance professional like invitations, assistants, a videographer, a sculpture technician and a location in an artist run centre with a highly educated audience. The audience/participants were horrified, amused and afraid for me and the documentation of the events is one of the most embarrassing and distressing displays of loss of control that I have ever seen recorded on video. I may have lost the tape on purpose or not. I will try to find it or recreate it for this performance and take what I can learn from it in the service of my search for
1. meaning
2. self awareness
3. forgiveness
4. love
5. power
6. artistic expression for a community of people that is
a. beautiful
b. nourishing
c. scary
d. sad
e. funny
Laura Margita
(Saskatoon, SK) began her artistic career in Ottawa receiving a BFA from the University of Ottawa in 1991. She began her studio practice at the EBA in visual and new media projects. While in Ottawa, Laura worked as a Sculpture technician, teaching assistant and building manager at the University of Ottawa Visual Art Department, founded the Enriched Bread Artists Coop, taught visual art in the Light house program at the Ottawa Board of Education, curated at Creative Outlet/Gallery CO, was the administrator at SAW Gallery for seven years, and then taught as a teacher and outreach coordinator at the Ottawa School of Art. She is currently serving in Saskatoon as the Executive Director at PAVED Arts. In her studio practice Laura works with fuzzy fabric, both heavy and light objects, paint, media and performance. She is a community activist fighting for social justice, nudity and culture
for all with critical feedback. Performances include: Double Date, The Longest Noodle in the World, Tossed Salad and Madame Blanche.
Artist talk is supported by the Studio Arts Visiting Artists Program (SAVAP) - Concordia, ARTX, Fibres, and MFA Studio Art.
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