Cougarliscious Point Final
Vendredi 31 mai, 2013
Cocktail 19h
Performance 20h
Photomaton cougar toute la soirée

Cougarliscious Point Final
Friday May 31st, 2013
Cocktails 7pm
Performance 8pm
Cougar Photobooth throughout the evening

Cougarliscious Point Final célèbre la fin de la performance en continue de Dayna McLeod pendant laquelle l'artiste s'est habillée en imprimé animal chaque jour, durant une année entière.

La soirée de clôture aura 2 temps forts : une reformulation de la performance Cut Piece de Yoko Ono et un photomaton dans lequel les participant-e-s échangent leur image contre  un morceau de vêtement tiré de l'immense garde-robe de Dayna.

"Cougar pour un an est une performance qui a commencé le 1er juin 2012. Durant cette période, je me suis habillée uniquement, en imprimé animal.  24h sur 24h, 7 jours sur 7, il fallait défier les stéréotypes associés à la "cougar", la femme de plus de 40 ans qui démontre avec agressivité son (hétéro)sexualité.

Ce projet interrogeait et vivait les stéréotypes associés à "'l'uniforme cougar"en revêtant une tenue avec des imprimés animaux. Il est documenté et est disponible sur : www.CougarThis.com

Reinterpretation de la performance de
Cut Piece de Yoko Ono

Pendant que je suis assise sur une plate-forme, le public est invité à couper des morceaux de mes vêtements, avec des ciseaux. Quand Yoko Ono a réalisé cette performance en 1964,  il a fallu attendre environ 9 minutes pour que ses vêtements soient coupés. Je me suis intéressée à questionner cette reconstitution en dialogue avec la performance originale de Yoko Ono et ses nombreuses variantes subséquentes et comment elles s'adaptent au contexte de Cougar pour un an.

Photomaton Cougar
En collaboration avec Nikol Mikus et Alyson Wishnousky 

Habillez-vous en léopard, zèbre, peau de serpent ou avec les vêtements-tigre de ma garde-robe que j’accumule depuis l'année dernière! Si vous souhaitez garder quelque chose, tout ce que je demande en retour, c'est votre image avec le vêtement. Ces portraits seront réalisés par ce duo incroyablement talentueux : Nikol Mikus et Alyson Wishnousky. Siteweb: www.nikolmikus.com 
Limite d'une pièce par personne."
- Dayna McLeod

Cougarliscious Point Final celebrates the end of a durational performance by Dayna McLeod in which she wore animal print clothing, 24/7 for an entire year.

This closing "finnisage" event will feature two works: a re-enactment of Yoko Ono’s Cut Piece, and a photobooth in which participants trade their image for a piece of clothing from Dayna’s extensive cougar wardrobe.

"Cougar For a Year is/was a yearlong, durational performance piece that I began on June 1st, 2012 in which I dress in nothing but animal print clothing, 24/7 to challenge the stereotype of the ‘cougar,’ a woman over 40 who aggressively demonstrates her (hetero)sexuality.

This project investigates and lives the stereotypes of the ‘cougar’ by wearing her uniform, which I have named as animal print for the sake of this project, and is documented online at www.CougarThis.com.

Re-enactment of Yoko Ono’s Cut Piece

Seated on a platform, the attending public is invited to cut off pieces of my clothing with scissors provided. When Yoko Ono first performed this work in 1964, it took roughly nine minutes for her clothes to be cut off. I am interested in how this reenactment is in dialogue with Ono’s original performance and subsequent restagings of this work and how this is effected by the context of Cougar for a Year.

Cougar Photobooth
In collaboration with Nikol Mikus & Alyson Wishnousky

Dress up in leopard, zebra, snakeskin or tiger clothes from my wardrobe over the last year! If you would like to keep something, all I ask in return is your image with the item. These portraits will be taken and styled by the incredibly talented duo, Nikol Mikus & Alyson Wishnousky: nikolmikus.com.
Limit one item per person."
- Dayna McLeod

Exposition 7 juin au 6 juillet, 2013

Vernissage et table ronde
Vendredi 7 juin, 18h30

Présentation d'artiste samedi 8 juin, 14h

Atelier avec des enfants devant la galerie
samedi 8 juin, midi à 14h

Exhibition June 7th to July 6th, 2013

Opening & Round Table Discussion:
Friday June 7th, 6:30 pm

Artist Talk Saturday June 8th, 2pm

Workshop for children in front of the gallery
Saturday June 8th, Noon to 2pm

Aide pour les États-unis et le Canada est à la fois une performance collaborative, une sculpture et une archive enquêtant les relations monétaires et politiques entre le Canada, les États-Unis et Haïti.

Au cours d'une résidence à la Biennale du Ghetto 2011 à Port-au-Prince, l’artiste Allison Rowe a assumé le rôle de travailleuse humanitaire étrangère de façon paradoxale.

En effet, plutôt que de distribuer de l’aide, elle s’est affairée à la collecte de dons. Comme elle errait dans les rues du centre de Port-au-Prince, Rowe a demandé aux gens qu'elle a rencontrés ⎯ dont beaucoup vivaient dans des logements temporaires ou improvisés et luttaient pour subvenir à leurs besoins fondamentaux ⎯ de lui offrir des dons pour les habitants de l'Amérique du Nord.

Il en résulte une collection d’objets et d’enregistrements audio éclectiques: sculptures d'activistes, débris, leçons d’histoire haïtienne, appels à l'aide…

Ce projet sera la première exposition canadienne à partir des dons collectés en 2011. La présentation publique de ces articles sera soutenue par un certain nombre d'évènements cherchant à favoriser le dialogue sur le Canada, Haïti et l'avenir de l'aide internationale.

Allison Rowe est une artiste et une enseignante qui travaille et vit à Toronto. Sa pratique artistique est vouée à la sculpture, la performance et les pratiques sociales. Le travail de Rowe a plus récemment été exposé au Centre Harbourfront à Toronto, la Biennale du Ghetto à Port-au-Prince et dans les espaces publics à travers l'Amérique du Nord. Elle a obtenu sa maîtrise en pratique sociale au California College of the Arts en 2011 et son baccalauréat en arts visuels et en photographie à l'Université Ryerson en 2006.

Les participants du projet:

Evens Richelieu, Makendy, Jerry Reginald, Mario Pierre Louis, Evel Romain, Desir Poter, Jean Francois Vanel Pierre, VALBRUN Romain, François Wandesmon, Serge St Louis, Jean Claude Saenteilus, Gary Belhomme, Christopher Blaine, Alphonse Sony, Jean Milord, Jean Francois René Tato, Adrien Irmeus, Morigène Rosario, Rossignol Gerald, Anatee Ducey, Jean Emmanuel, Ghaïti, Sylvie, David Ricardo, Solan Ge Phrophete, Pierre Enord, Denis Guismy, Mabelle Williams, Vertilus Frantzly, Ras, Léonce Syndia, Felix Johanick, Louis Martine, Sandra Chery, Gerald Bristhole, Cindy Belhomme, Schneica Djaffca Chery, Magdalie Casimir, Betty Casseus, Laugens Duversaint et Gethor Duversaint.

Documentation photographique: Clare Samuel et Larissa Issler
Traduction: Max Pierre-Jérôme

Siteweb de l'artiste: allisonroweart.com

Image:
Aide pour les États-unis et le Canada
Drapeau Haîtien donné par Jerry Reginald
2012
6”x 3 ½”

Aid for USA and Canada is a collaborative performance, sculpture and archive investigating the monetary and political relationships between Canada, the United States and Haiti.

During a residency at the 2011 Ghetto Biennale in Port-au-Prince, artist Allison Rowe took on the role of a contradictory foreign aid worker, collecting rather than distributing aid. As she wandered the streets of downtown Port-au-Prince Rowe asked people she met⎯many of whom lived in temporary or improvised housing and struggling to access the basic necessities of life⎯to give her donations for the people of North America.

The resulting objects and audio recording donations range from activist sculptures, to refuse off the ground, Haitian history lessons, and pleas for help.

This exhibition is the inaugural Canadian display of the aid collected in 2011. The public display of these items will be supported by a number of events that foster dialogue about Canada, Haiti and the future of International Aid.

Allison Rowe is a Toronto based artist and educator who works in sculpture, performance and social practices. Rowe’s work has most recently been in exhibited at the Harbourfront Centre in Toronto, the Ghetto Biennale in Port-au-Prince and in public spaces across North America.  She completed her MFA in Social Practice at California College of the Arts in 2011 and her Honours BFA in Photography from Ryerson University in 2006.

Project Participants:

Evens Richlieu, Makendy, Jerry Reginald, Mario Pierre Louis, Evel Romain, Desir Poter, Jean Francois Vanel Pierre, ValBrun Romain, Francois Wandesmon, Serge St Louis, Jean Claude Saenteilus, Gary Belhomme, Christopher Blaine, Alphonse Sony, Jean Milord, Jean Francois René Tato, Adrien Irmeus, Morigène Rosario, Rossignol Gerald, Anatee Ducey, Jean Emmanuel, Ghaïti, Sylvie, David Ricardo, Solan Ge Phrophete, Pierre Enord, Denis Guismy, Mabelle Williams, Vertilus Frantzly, Ras, Leonce Syndia, Felix Johanick, Louis Martine, Sandra Chery, Gerald Bristhole, Cindy Belhomme, Schneica Djaffca Chery, Magdalie Casimir, Betty Casseus, Laugens Duversaint, and Gethor Duversaint.

Photographic Documentation: Clare Samuel and Larissa Issler
Translation: Max Pierre Jerome

Artist Website: allisonroweart.com

Image:
Aid for USA and Canada
Haïtian Flag donated by Jerry Reginald
2012
6”x 3 ½”

Projet de maîtrise
Exposition 22 au 29 mai, 2013

MFA Exhibition
May 22nd to 29th, 2013

L’exposition Déhanche-Toi Comme Tu Sais Le Faire ou "Put Your Back Into It” explore les moeurs du winding, du grinding  et du twerking  à travers le prisme de l’imitation et de la transmission culturelle  contemporaine. Des vidéos YouTube, des fils Twitter ainsi que des artefacts culturels sont démantelés, réassemblés et embellis pour interroger l’impact des formes actuelles de dissémination numérique sur l'identité féminine et les idéologies romantiques.

Le déhanchement est souvent associé en Amérique du Nord, au winding et est couramment utilisé sur les pistes de danse pour provoquer un début d’excitation chez le partenaire, souvent avec une intention de copulation ultérieure. Comme chez un grand nombre d’animaux, et dans de nombreuses cultures à travers  le monde, les poussées pelviennes et  les secousses du derrière sont des éléments dominants des démarches  en vue de l'accouplement chez les adolescents et les jeunes adultes de l’Occident.

Les phénomènes viraux tels que Gangnam Style and Harlem Shake  illustrent les possibles de  la danse, capable de traverser les frontières culturelles, sociales et linguistiques. Alors que la danse se modifie selon divers degrés d'appropriation, ces idées de transmission culturelle et d’imitation se voient bafouées et séparées de leurs conceptions premières de façon récurrente. Les mouvements rotatifs des hanches puisent leurs racines historiques dans la notion de fertilité et, dans d'autres sociétés, continuent à être utilisés comme rites de passage, afin de dénoter ou d’encourager les transformations reliées à l’évolution de la jeune fille vers la femme. L’Amérique du Nord s’est largement réapproprié ces danses sacrées, donnant naissance à la foisonnante culture du winding, du grinding et du twerking.

Put Your Back Into it/ Déhanche-toi comme tu sais le faire étudie les espaces obscurs entre spiritualité et sexualité, adolescence et âge adulte, public et privé. Cette exposition refléchit la progression ou peut-être la régression des codes, des coutumes et des rites de notre culture.

Sarah Gotowka est une artiste adoptée d’origine américano-coréenne, polonaise et italienne. Venant de l'État de New York (USA), elle vit actuellement à Montréal. Sa pratique artistique est ancrée dans son obsession malsaine pour le R&B, dont elle souffre depuis l'enfance. Elle a reçu son BFA du Cleveland Institute of Art en 2007 et est maintenant candidate au MFA du Concordia University’s Fibre Practices Program.

Put Your Back Into It explores the mores of winding, grinding  and twerking  through the examination of contemporary memes . YouTube videos, Twitter feed, and cultural artifacts are dismantled, reassembled and embellished to question how current forms of digital dissemination impact the formation of female identity and romantic ideologies.

To gyrate one’s hips is commonly referred to in North America as ‘winding’ and is routinely used on the dance floor to invoke arousal from a potential partner, often with the intention of subsequent copulation. Similar to many animals as well as various cultures throughout the world, pelvic thrusts and shakes of the derrière are dominant components of mating practices among Western youth and young adults.

Viral phenomenons such as Gangnam Style and Harlem Shake  exemplify the potency that dance possesses, as it is capable to cross cultural, social, and linguistic borders. As dances undergo various degrees of appropriation, these memes recurrently become removed and divorced from the authentic conception. Gyral hip movements have historical roots connected to notions of fertility, and in other societies they continue to be used within rites of passage to denote or encourage transformations of status, such as girlhood to womanhood. These sacred dances have been vastly appropriated by North America and have spawned the prolific culture of winding, grinding and twerking.

Put Your Back Into It investigates the obscure spaces between spirituality and sexuality, adolescence and adulthood, public and private, and reflects on the progression, or perhaps regression of our culture’s codes, customs and rituals.

Sarah Gotowka is an adopted Korean-American-Polish-Italian artist from upstate New York, based in Montréal. Her artistic practice is rooted in her unhealthy obsession with R&B, an impediment she has suffered from since early childhood. She received her BFA from The Cleveland Institute of Art in 2007 and is now an MFA candidate from Concordia University’s Fibre and Material Practices program.